Simone Leigh deslumbró en Venecia. Sus esculturas inician gira nacional por EE.UU. en Boston

BOSTON — Una gran sencillez palpitante, como si se amasara, emana de las obras de Simone Leigh, quien el año pasado representó a Estados Unidos en la 59 Bienal de Venecia, la primera mujer negra en hacerlo. Doce meses después, las obras de esa exhibición en Venecia, con algunas adiciones, han sido bellamente instaladas en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston. (El ICA, bajo el liderazgo de la directora Jill Medvedow y la curadora Eva Respini, también organizó la presentación en Venecia). La muestra viajará al Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en noviembre ya Los Ángeles el próximo año.

Las esculturas de Leigh, en cerámica y bronce, tienden a ser simétricas y suaves. Combinan las figuras y cabezas de mujeres negras con formas de jarras, tazones, cucharas y conchas de cauri, así como las formas repetidas que riman de faldas con aros, campanas hacia arriba y cabello trenzado que cae en cascada desde las cabezas.

Frente a tanta escultura moderna, con sus bordes dentados y mezclas de materiales, las obras de Leigh son coherentes, tranquilas y hermosas a la vista. De vez en cuando los encuentro demasiado plácidos, las formas mismas predecibles hasta el punto de la complacencia. Pero en su presencia, la respiración se ralentiza y profundiza imperceptiblemente. Animados por sutilezas de textura y color, son sumamente sensuales.

Los esmaltes de Leigh son especialmente deslumbrantes. Sus colores van desde el amarillo profundo y saturado y el azul real hasta los marrones y verdes terrosos, el negro mate, el blanco brillante y el dorado reluciente. Sus superficies pueden sugerir un ganache rico y opaco un minuto, un glaseado de azúcar de limón ligero y translúcido al siguiente.

Con títulos como "Centinela" y "Esfinge", las esculturas más grandes de Leigh se ciernen sobre ti con la confianza cuadrada de los monumentos. ¿Qué conmemoran? ¿Qué o a quién honran?

La respuesta no es complicada. Monumentalizan y dan a conocer el trabajo invisible, no escrito e históricamente subestimado de las mujeres negras. No solo trabajo físico sino también intelectual. Lo hacen no con la piedad kitsch aprobada por el comité de los encargos públicos de escultura, sino con variedades de autoconciencia poética que inducen a una profunda reflexión.

Las esculturas de Leigh son en sí mismas el resultado de un trabajo largo y concentrado. (La ayudan asistentes en el estudio, la fundición y el horno). Muchos no están hechos con tornos de alfarero, sino con una técnica más antigua: enrollar cuerdas de arcilla en un círculo, colocar una bobina sobre otra y luego usar herramientas manuales para alisar las ondulaciones.

Las diminutas rosetas que Leigh usa a veces para el cabello están dobladas a mano y pellizcadas por miles. Al contemplar su creación, pensé en dos pasajes de "Beloved" de Toni Morrison. En el primero, la novelista describe "los sonidos interiores que hace una mujer cuando cree que está sola y desapercibida en su trabajo: un 'algo' cuando no encuentra el ojo de la aguja; un suave gemido cuando ve otra mella en su único plato bueno". ; el argumento bajo y amistoso con el que saluda a las gallinas. Nada feroz ni sobrecogedor. Sólo esa eterna conversación privada que se da entre las mujeres y sus tareas". En otro lugar, Morrison escribe sobre la preparación del pan temprano en la mañana: "Masa de trabajo. Masa de trabajo, masa de trabajo. Nada mejor que eso para comenzar el trabajo serio de ese día de hacer retroceder el pasado".

Pero los saludos de Leigh al trabajo femenino negro son diferentes a los de Morrison. Tienen un aspecto más público, incluso majestuoso. En lugar de "hacer retroceder el pasado", una respuesta instintiva al trauma, Leigh toma imágenes manchadas de racismo y colonialismo e invierte sus implicaciones, transmutando la bajeza y la vergüenza en belleza y poder.

Inesperadamente, las formas de sus esculturas pueden derivar de tropos racistas o colonialistas trillados. "Last Garment", por ejemplo, una escultura de bronce de tamaño natural de una mujer de pie en un estanque reflectante e inclinada sobre su trabajo, se basa en una fotografía de recuerdo de finales del siglo XIX que muestra a una mujer jamaicana agachada para lavar ropa en un río. . La imagen circuló ampliamente en Europa y se usó para atraer a los turistas a Jamaica para que una colonia azucarera que alguna vez se construyó sobre la esclavitud pudiera verse como un paraíso tropical poblado de mujeres que viven cerca de la naturaleza.

Del mismo modo, varias de las enormes figuras de faldas anchas de Leigh dialogan con conocimiento de causa con una fotografía de Edward Weston de una parada de carretera en Mississippi convertida en una "Mammy" gigante.

En la Bienal de Venecia, Leigh erigió una fachada de rafia en el pabellón neoclásico de los EE. UU., un edificio con fuertes matices del Monticello de Thomas Jefferson. Se inspiró para hacerlo en imágenes de cabañas con techos de paja presentadas en París en la Exposición Colonial Internacional de 1931. (Los fantasmas del colonialismo y el nacionalismo son imposibles de ignorar en la Bienal, que data de la década de 1890).

La escultura gigante de Leigh, "Satélite", instalada fuera del ICA (tal como se había instalado frente al Pabellón de EE. UU. en Venecia), se hace eco de la forma de un tocado tradicional D'mba del pueblo baga de la costa africana de Guinea. Dichos tocados se usaban tradicionalmente durante los rituales para comunicarse con los antepasados ​​de Baga. Pero los colonizadores también enviaron ejemplos de estos y cientos de otros objetos africanos a París a principios del siglo XX, donde inspiraron a artistas modernos como Matisse, Picasso y Giacometti.

Leigh está al tanto de todas estas historias: estadounidense, europea y africana. En lugar de deshacerlas, las coopta, presentándolas en formas nuevas, formidablemente dueñas de sí mismas, que nos invitan a registrar y tal vez reimaginar verdades sobre las mujeres negras omitidas por el archivo histórico.

En todo esto, Leigh ha estado profundamente influenciada por su amiga, la académica Saidiya Hartman de la Universidad de Columbia. Hartman es conocida por defender lo que ella llama "fabulación crítica", su término para una estrategia que responde a los silencios y espacios en blanco en los archivos históricos al invitar a artistas, historiadores y críticos a llenar los vacíos, imaginando no solo lo que fue sino lo que podría suceder. ha sido. Su libro más reciente, "Wayward Lives, Beautiful Experiments", traza lo que ella llama "una transformación de la vida íntima negra" en Nueva York y Filadelfia a principios del siglo XX. Esa transformación, señala, fue "la consecuencia de la exclusión económica... el encierro racial y el despojo social". Pero también fue "impulsado por la visión de un mundo futuro y lo que podría ser".

Leigh está igualmente interesada en forzar el pasado para proyectarlo hacia futuros más esperanzadores. Pero es para su crédito que, cuando pasas tiempo con su trabajo, es difícil tener en cuenta conceptos de alto vuelo como "fabulación crítica".

En cambio, su poesía suavemente recortada está animada más por los silencios y los huecos suavizados que por la retórica o la ficción, y te sumerge en una especie de trance sensibilizado. Leigh ha creado su mundo, como ha escrito la propia Hartman, "no explicando nada, sino... mediante una ocultación radical que hace visible y palpable todo lo que se mantiene en reserva: todo ese poder, amor, brillantez, trabajo y cuidado. Todo esa belleza."

Que tantas de las formas de Leigh sean vasijas seguramente no es accidental. Los vasos son huecos. Puedes dejarlos vacíos o puedes llenarlos de cosas. Es posible que desee llenarlos de significado, pero primero debe crearlos. Y la fabricación se convierte en su propio tipo de significado, que surge de los materiales, las herramientas, el trabajo y las decisiones estéticas, tanto intencionadas como accidentales.

Estoy seguro de que es este segundo tipo de significado el que más le importa a Leigh. Después de todo, si no fuera así, ¿por qué se molestaría? Tanto el trabajo como la belleza desarman la retórica. Las esculturas de Leigh, a pesar de todas sus ironías elocuentes y su dolor histórico, poseen una hermosura simple y bien elaborada que llega a lo más profundo de ti, exigiendo asentimiento.

Simone Leigh Hasta el 4 de septiembre en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston. icaboston.org.