Kate Sutton en Amsterdam y London Art Weekends

MÁS DE TRES AÑOS después de que la pandemia detuviera el mundo del arte internacional, todavía estamos averiguando cómo volver a unirnos. Los distribuidores que se bajaron de la rueda de hámster del circuito de ferias se sorprendieron al descubrir que en realidad se podía saltar una franquicia o dos (o incluso más, dependiendo de su juego de jpg). En el período previo a Art Basel, las galerías de todo el mundo han estado uniéndose para varias permutaciones del "fin de semana de la galería", un intento local de atraer a los coleccionistas a las ubicaciones físicas por las que todos han estado pagando tan caro.

La pregunta sigue siendo: ¿Estos eventos realmente funcionan? Berlin Gallery Weekend, que acaba de celebrar su decimonovena edición a fines de abril, claramente ha encontrado una fórmula, pero es seguro decir que la ciudad tenía una ventaja en ese departamento. Gallery Weekend Beijing, que concluyó la semana pasada, cuenta con un modelo híbrido que completa las ofertas locales con presentaciones de galerías visitantes, pero eso aún no es suficiente para que la gente, incluidos los distribuidores, hagan cola para obtener una visa china. Mientras tanto, las semanas de arte en ciudades como Salzburgo y Ljubljana tienden a ser asuntos más moderados, confiando en el poder de los cócteles públicos y los bolsos elegantes para atraer nuevas audiencias en casa.

El miércoles pasado, los Países Bajos entraron en la refriega con la undécima Semana del Arte de Ámsterdam, un programa de varios días vinculado a los estudios abiertos de la Rijksakademie, una atracción confiable tanto para los cazadores de gangas como para los directores institucionales con presupuesto limitado. Si bien hubo algunas quejas sobre el orgullo del lugar de ir a la escuela de arte (que no paga) y la relegación de proyectos comerciales a un espacio de viernes por la noche, las galerías aún encontraron formas de colarse en avances ingeniosamente trazados, escalonando sus horarios para asegurarse de que había sin superposición Bajé del tren de Schiphol el miércoles por la mañana con el tiempo justo para dejar mi maleta antes de dirigirme a Domenica para un almuerzo que Annet Gelink estaba preparando para Ryan Gander. "Íbamos a probar un restaurante diferente, pero luego descubrimos que otra galería estaba cenando allí esta noche", se disculpó Gelink. Resulta que para nuestro beneficio. La comida fue fantástica, aunque enloquecedoramente presentada como una "sorpresa" a la clase económica transatlántica ("¿Comida o pasta?"). Patrocinadores como Inge de Bruijn-Heijn y su hija, Aveline de Bruijn, quien dirige el Centro de Arte Quetzal de la familia en un viñedo en Portugal, se unieron a Cathy Jacob de Museum Boijmans Van Beuningen y Brigitte Bloksma de Museum Beelden aan Zee para investigar el desfile de platos de burrata, tartar de ternera y tagliatelle decadente con branzino. Giulia Meloni de Gelink, un trasplante de Cerdeña, se encogió de hombros. "Los holandeses son como los italianos. Se toman su tiempo en la mesa".

Por desgracia, no tenía el mismo lujo. Escapándome antes de que sirvieran el café, logré ver exhibiciones en curso de Fernando Sánchez Castillo en tegenboschvanvreden y Dina Danish en Stigter van Doesburg. En GRIMM, Francesca Mollett había cubierto las paredes con hermosos lienzos nuevos, mientras que yo estaba completamente hipnotizado por las esculturas totémicas de David Jablonowski en Fons Welters. "Están hechos de las piezas descartadas de la impresión 3D", explicó el distribuidor Nick Terra. No estaba seguro de haber comprado la narrativa (¿no es el punto de la técnica que reduce este tipo de exceso?), pero ciertamente estaba interesado en los resultados.

Terminé la tarde en Stevenson, donde Mawande Ka Zenzile había colocado la sala iluminada por el sol con pinturas meditativas en estiércol de vaca sobre lienzo. "Los artistas sudafricanos realmente están teniendo un momento esta semana", observó el marchante Joost Bosland. "Tienes este espectáculo, Ernest Cole en FOAM, Simnikiwe Buhlungu en Ellen de Bruijne, Lungiswa Gqunta en AKINCI...". Ese momento continuó durante un festín argelino como es debido (cuencos gigantes de fragante cuscús, coles de Bruselas, platos colmados de sandía) al otro lado del canal en Raïnaraï, donde el recientemente nombrado director del Fondo Príncipe Claus, Marcus Tebogo Desando, algunas personas del Fondo Mondriaan, escritores Olamiju Fajemisin y Eliel Jones, y el galerista Stefan Benchoam se apiñaron alrededor de una mesa apretada, Ka Zenzile y los artistas de la galería Cian-Yu Bai y Neo Matloga en el centro.

El evento principal de esa noche fue un saque inicial al estilo pep-rally en Pakhuis de Zwijger. Un MC completamente animado sacó a relucir "bromas" de arte de nivel de Tinder, deteniéndose lo suficiente como para destrozar el hashtag #AAW. A mi lado, Fajemisin lo introdujo en su teléfono y de inmediato la saludaron con pancartas de una liga de lucha libre: "Aplasta y destruye". A decir verdad, la noche podría haber usado más de esa energía. Un panel temprano y bien intencionado sobre hospitalidad se descarriló en sus primeros minutos cuando Margriet Schavemaker del Museo de Ámsterdam le preguntó a Desando, nacido en Sudáfrica, sobre sus experiencias en los Países Bajos. "Seamos honestos, no es un lugar abierto", respondió, y señaló que dejarle a alguien un paquete de bienvenida con un mapa no es lo mismo que llevarlo de la mano y mostrarle un lugar. Lara Khaldi de De Appel confirmó esta impresión. "Estructuralmente, la hospitalidad tiene mucha dinámica de poder. En este caso, hay una expectativa de integración, pero el interés no es mutuo". "Pero traer esto de vuelta al arte. . ." Schavemaker continuó, su sonrisa fija en su lugar. "Documenta, eso fue un motín, ¿verdad?" (Buena salvada.)

EL JUEVES POR LA MAÑANA tomé el Eurostar a Londres, que anunciaba su propio Gallery Weekend. Sin visitas al estudio para robar el centro de atención, podría decirse que el título principal de la semana fue el gigante de Gagosian "To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting". El curador Gary Garrels había diseñado la exhibición como una expansión de su muestra de 2008, "Oranges and Sardines", un evento de seis artistas en el Museo Hammer de Los Ángeles. Para esta nueva actualización, Garrels completó las pinturas del sexteto original (Mark Grotjahn, Wade Guyton, Mary Heilmann, Amy Sillman, Christopher Wool y Charline von Heyl, quien tuvo uno de los pocos verdaderos destacados del espectáculo) con nuevas propuestas de Frank Bowling, Laura Owens, Nathlie Provosty y David Hammons.

El espectáculo se dividió entre una exhibición consciente de la ventana en Davies Street (Katharina Grosse, Mark Bradford, Lesley Vance) y la sede de Grosvenor Square, que abrió con una pareja de Tomma Abts y Cecily Brown. "Sabía que tenía que comenzar con Tomma", se entusiasmó Garrels mientras me explicaba su proceso. Pronto se nos unió Sillman, quien saludó al curador con su calidez característica. "¡Somos vecinos!" "Es verdad", asintió Garrels. "Probablemente haya más artistas de North Fork aquí que de Nueva York". También hubo un número considerable de comerciantes, incluidos Carol Greene, Gio Marconi, Stuart Shave y Nicholas Logsdail, que se mezclaron con Gregor Muir de la Tate Britain y Nicholas Cullinan de la Galería Nacional de Arte.

"Un museo no podría salirse con la suya", observó Oscar Murillo, moviendo la mano por una habitación de arriba salpicada de piezas llamativas de Murillo, Thilo Heinzmann y un Jadé Fadojutimi que regalaba nenúfares a Monet. Por supuesto, hubo la crítica requerida: "eres Gagosian, podrías elegir cualquier pieza del mundo. ¿Por qué estas?", pero hubo pocas quejas la tarde siguiente, cuando la galería alquiló un elegante carrito de helados para tratar a los clientes. (Alguien puede o no haberme enviado una foto después de que un director deshonesto agregó su propia intervención, un letrero que decía "sin distribuidores, sin descuentos").

A la vuelta de la esquina, Sprüth Magers estaba organizando una recepción propia para Andro Wekua, y Thomas Struth había orquestado un concierto de saxofón, de todas las cosas, en Max Hetzler, pero yo tenía que ir a Haggerston, donde se habían presentado los mejores de Hackney. con toda su fuerza para la exposición de Seventeen Gallery de las pinturas fáciles, alegres e increíblemente complicadas de construir de Rhys Coren. Más al este, Maureen Paley estaba inaugurando dos muestras: Avis Newman en Three Colts Lane y una apretada muestra de cerámica de la reverenda Joyce McDonald en el nuevo Studio M de la galería en la verde Rochelle School de Shoreditch. Posteriormente, artistas como Jane y Louise Wilson, Praneet Soi, Bruno Pacheco y Behrang Karimi celebraron la doble apertura con platos de pescado impecablemente cocinado en Rochelle Canteen.

"Somos muy afortunados de estar aquí", me dijo Paley. "Originalmente era solo una escala mientras nos mudábamos a la nueva galería. Pero como inquilinos, podemos usar este espacio de la planta baja y disfrutar de esta increíble comida. Realmente ha hecho que sea difícil salir". El catering fue verdaderamente fenomenal, a la par de la compañía, lo que me hizo desear haber regresado por unos segundos antes del taxi de cincuenta minutos a Holland Park para la fiesta posterior de Gagosian en el recientemente reabierto Belvedere, un establo del siglo XVII convertido en -moderno-día-boda-lugar. Nuestro equipo llegó a tiempo para atrapar oleadas de clientes de cabello plateado que salían a los jardines, no muy diferente de la escena culminante de El último unicornio cuando todos los unicornios emergen de la espuma del mar a la vez. La dealer Victoria Al-din consultó su reloj y se encogió de hombros. "Bueno, dijeron que la comida termina a las 10:30".

En el interior, uno pensaría que la comida nunca había comenzado. En medio del entorno decadente, los voraces asistentes a la fiesta se abalanzaban sobre las pizzas margherita tan pronto como salían de su pequeño corral de comida (sí vi un plato especial de papas fritas que se entregaba con amor en una mesa vacía marcada como "reservada"). Sin embargo, el bar estaba en pleno apogeo y sorprendentemente eficiente, con margaritas de albahaca fluyendo y apenas un espacio en el balcón.

Los atrevidos se aventuraron a Groucho para la fiesta de bienvenida oficial de la LBV (no puedo dejar de pensar en Gatwick con ese acrónimo) y otros más a Chiltern, porque aparentemente Londres provoca esta compulsión en la gente, pero tenía que estar despierto y temprano a la mañana siguiente. para un elegante brunch de bagels en Waddington Custot. La galería estaba presentando el segundo capítulo de "Picture This: Photorealism 1966–1985", un seductor estudio de un movimiento sorprendentemente desatendido. "Fotorrealismo es un nombre tan inapropiado", se lamentó el director Jacob Twyford. "Estas no son pinturas que intentan capturar la realidad como una foto, son pinturas que toman la foto como su realidad".

El escritor Daniel Culpan y yo nos detuvimos para admirar cómo Ralph Goings había metido su firma en la parte inferior de la etiqueta de una botella de salsa de tomate Heinz, así como algunos destellos selectos a lo largo de los costados iluminados por el sol de varios autos de la década de 1970, que contrastaban perfectamente con el aerógrafo. interiores de autos demolidos por John Salt. "Solo hay más o menos nueve de estos", agregó Twyford, antes de pasar a quizás el trabajo más complicado de la muestra: una pintura de 1972 que se traga la pared de un fotocollage de Ben Schonzeit, cuyas travesuras visuales no se sentirían fuera de lugar hoy. .

Hablando de fuera de lugar, en Edel Assanti, "NEOPLAN" de Marcin Dudek llenó la mayor parte de la galería con un autobús de fútbol abandonado que había sido devastado por una base de fanáticos contrarios. "De hecho, llegó completamente empaquetado", me dijo Berta Zubrickaitė. "Tomó cinco días armarlo todo". El resultado gritó Yellowjackets, animando a los visitantes a abrirse camino entre los escombros. En la apertura, el artista había encendido bengalas, chamuscando las paredes con vetas de mandarina. El director Charlie Fellowes y yo estuvimos de acuerdo en que el gesto realmente unió a la sala (según los informes, también hizo que los asistentes salieran corriendo).

Londres no tiene paciencia para el almuerzo de tres horas. Esta es la cultura del pequeño sándwich, gente. Esa tarde llamé a Lisson para atrapar a Cory Arcangel y al curador Omar Kholeif en una conversación, y más tarde, a Phillida Reid para el programa de Edward Thomasson "Burning Desires", que incluyó una actuación abrasadora de vulnerabilidad cruda de Josh Andraos. Rumiando sobre la incomodidad inherente a la intimidad (un tema que se extendía claramente a mis hilos de WhatsApp), me dirigí a Rodeo, donde Nour Mobarak había vuelto a representar la primera ópera del mundo: La Dafne de Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini, representada en 1598 para un audiencia de Medicis—con un yeso esculpido en micelio cuidadosamente cultivado por el artista. Estos sustitutos de cantantes aparecerán a mayor escala este julio, cuando el artista realice toda la ópera en el escenario del Pireo. "No hay registro de la música", explicó Katy Green, "así que Nour tradujo el libreto a los cinco idiomas que contienen la mayoría de los fenómenos". La única resolución lógica, realmente, cuando estás montando una ópera fúngica.

Si el gran éxito de taquilla de Gagosian marcó la pauta de la semana, otras galerías no tuvieron miedo de mantener las cosas ligeras y precisas. En la ubicación de Bury Street de Modern Art, la exhibición de Jacqueline Humphries comprendía solo tres pinturas (dado que dos eran básicamente paredes en sí mismas), mientras que al lado, en Sadie Coles, Lisa Brice mostró solo dos: un trabajo desenfrenado que había hecho cuando tenía veinte años. -tres y una nueva pintura creada en respuesta, dando un giro obsceno a A Bar at the Folies-Bergère de Manet, 1882.

Terminé mi velada en Bethnal Green en The Approach, donde Tom Allen ofreció un ramo fresco de sus flores místicas. Mientras tomaban G&T en los bancos de afuera, la conversación volvió a Coles. "Es realmente sorprendente la influencia internacional que ha construido para sí misma", se maravilló un galerista, "particularmente teniendo en cuenta que se resistió a la tentación de franquiciar y se mantuvo arraigada en una ciudad". Pero, ¿para qué son los fines de semana de la galería (también para los G&T) si no es para mostrarnos el poder de quedarse quietos?

—Kate Sutton