En el MoMA, Georgia O'Keeffe es la mitad

Al centrarse en los dibujos en serie de la artista, la exposición hace todo lo posible para descargar a O'Keeffe de sus asociaciones sensuales.

A los 96 años, Georgia O'Keeffe, apoyada por su joven compañero, Juan Hamilton, vino a Nueva York para la retrospectiva de Alfred Stieglitz de 1983 en el Museo Metropolitano de Arte. Habiendo supervisado la curaduría de Hamilton, O'Keeffe también autorizó la inclusión de los famosos retratos de ella misma hechos por su difunto esposo, o del yo que ella y esas imágenes construyeron conjuntamente: unos años antes en The New Yorker, Janet Malcolm escribió que 'tan fuerte es la identificación de O'Keeffe con su imagen fotografiada de que las fotografías parecen pertenecer a sus obras y no a las de Stieglitz.' Mientras O'Keeffe estaba en la ciudad, ella y Hamilton hablaron con Andy Warhol para la revista Interview. Warhol le recomendó visitar el nuevo edificio de AT&T, pero ella se negó, ya que el arquitecto del 550 de Madison Avenue "no era realmente un talento":

'HAMILTON: No deberías criticar a Philip Johnson. Dijo que eras la mujer más hermosa del mundo. O'KEEFFE: Bueno, no pensé que lo que creó fuera la mujer más hermosa del mundo.

Warhol insiste en que lo vea de todos modos, pero ella no cede; después de todo, verlo lleva tiempo.

De acuerdo, eso último es falso: en la entrevista, que es posterior a la línea de O'Keeffe sobre la duración de la visión por cuatro décadas, Warhol simplemente cambia de tema, pero suena tan cierto como el uso de la frase como título del espectáculo actual del MoMA. 'Georgia O'Keeffe: To See Takes Time' se centra en las obras iterativas de pastel, carboncillo y acuarela del artista, con algunas excepciones hechas para pinturas al óleo sobre lienzo que amplían una serie basada en papel. El título proviene del texto de su catálogo para una 'Exposición de óleos y pasteles' de 1939, y sugiere el concepto organizador: que su obra 'en serie' crea las condiciones temporales para ver realmente. Al enfatizar el procedimiento, la materialidad y las pequeñas diferencias, esta repetición de la figura hace algo visible.

¿Pero que? En su declaración original de artista, titulada 'Acerca de mí', O'Keeffe no recomendó la serialidad, sino detenerse a oler las rosas: "Aún así, en cierto modo, nadie ve una flor, de verdad, es tan pequeña, no tenemos tiempo". – y ver lleva tiempo, como tener un amigo lleva tiempo. Si pudiera pintar la flor exactamente como la veo nadie vería lo que yo veo porque la pintaría pequeña como la flor es pequeña.' O'Keeffe había estado intentando, mediante la ampliación y dignificando su propia atención, no representar la flor, sino obligar al espectador a participar en el tiempo que pasaba considerándola. En lugar de su visión, los críticos, con una nueva pasión por el freudismo descuidado, vieron coños en las calas: 'Bueno, hice que te tomaras el tiempo para mirar lo que vi y cuando te tomaste el tiempo para realmente notar mi flor, colgaste todo. tus propias asociaciones con flores en mi flor y tú escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves de la flor, y yo no lo hago.'

'To See Takes Time' evita este bloqueo crítico al no hacer referencia a su recepción ni incluir ninguno de sus estambres más espeluznantes. Esa es mi suposición, al menos, que los curadores de la muestra quieren descargar a la artista de su equipaje crítico. Pero en lugar de la falsa imagen de Stieglitz de la Mujer Nueva de principios de siglo, que reconcilia audazmente la abstracción con lo sensual, nos encontramos con una chica igualmente ficticia, peculiarmente inocente.

La mejor justificación del enfoque curatorial aparece en la entrada, en un trío de obras sobre papel de 1916: Primer dibujo de las líneas azules a carboncillo; Líneas negras en acuarela; y Blue Lines X en acuarela y lápiz sobre papel. Este extraño trío es obstinado en su diferencia, el negro del carbón no tiene nada en común con el azul de la acuarela. Cada uno, sin embargo, representa la misma línea de base gruesa en la parte inferior del papel (digamos, la base de un velero abstracto), de la cual crecen las mismas dos ramas: erguida a la derecha, en zigzag a la izquierda. son geniales

También lo son sus 'especiales' (1915-19), el título que dio a las obras que la destacaron en esta era productiva. Admiro el desenfoque mecánico bruto de No. 20 - From Music - Special (1915), y su invitación a considerar otros 19 de ellos. Sin embargo, si esto es de una serie, es en el sentido más amplio posible.

Los retratos abstractos de Paul Strand (1917), aquí, una oruga de cola roja, de pie contra el cielo nocturno de la acuarela, son compañeros convincentes de una pared interior dedicada a los retratos al carboncillo inusualmente realistas de O'Keeffe de Beauford Delaney (1943); juntos, ofrecen evidencia del sentido del artista de que el tema mismo exige su forma. Sin embargo, el enfoque en trabajos en serie en papel rápidamente se vuelve frustrante. Con toda la cortés modestia del orden cronológico, los curadores intentan convencer a alguien de que O'Keeffe no era ese amado pintor de flores y huesos objetivados, sino un minimalista poco entusiasta.

El programa parece pensar poco en su audiencia general. Convirtiendo fragmentos banales de su correspondencia en títulos de sección, los curadores sugieren que es una proeza feminista, por ejemplo, que una de las artistas definitorias del siglo XX tuviera 'ALGO QUE DECIR'. De las acuarelas no sabemos nada más que 'SIGUIERON LLEGANDO'. Retrocedo con horror personal, imaginando a alguien que encuentra una carta privada en la que digo que hay 'TODO TIPO DE COSAS EN MI CABEZA' y luego usa esta vaga frase para enmarcar póstumamente mi trabajo. El texto de la pared da la sensación de que Georgia O'Keeffe era una chica valiente con mucho en qué pensar y, gracias a Dios, una gran pila de papel, por lo que pudo seguir mirando las imágenes hasta que las hizo bien.

En Making and Effacing Art: Modern American Art in a Culture of Museums (1991), Philip Fisher sostiene que la serialidad “se convierte en una táctica de trabajo del pintor una vez que se encuentra cara a cara con un mundo intelectual que articula y rodea su vida laboral con una Historia del Arte a gran escala dentro de la cual se ve obligado a verse a sí mismo como un episodio. Para Sianne Ngai, que cita a Fisher en Our Aesthetic Categories: Zany, Cute, Interesting (2012), es el crítico quien ejerce esa fuerza, y para quien la serie, como el arte 'interesante' en general, ofrece un propósito: este enfoque en proceso -y en el lugar del significado fuera de la instancia individual de una obra- requiere un aparato crítico más grande que una flor enorme e intensa. 'To See Takes Time' intenta convertir el arte grande y espiritual en algo pequeño y material. Por suerte, no funciona.

'Georgia O'Keeffe: To See Takes Time' se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE. UU., hasta el 12 de agosto de 2023.

Imagen principal: Georgia O'Keeffe, Evening Star No.III, 1917, acuarela sobre papel montado sobre tabla, 23 × 30 cm. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sr. y Sra. Donald B. Straus Fund, 1958. © 2022 Georgia O'Keeffe Museum / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Rainer Diana Hamilton es autora de God Was Right (2018) y The Awful Truth (2017).

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